'Cuando llega a un C bajo, te lleva a otra dimensión': los músicos enamorados de instrumentos oscuros

¿Por qué conformarse con una flauta dulce cuando podrías empuñar un clarinete contrabajo, o algo que hayas inventado tú mismo? Conoce a los jugadores atraídos por lo inusual

En la película Alice de 2022, la heroína titular, una esclava que vive en una plantación al estilo del siglo XIX en Georgia, descubre que en realidad vive en la década de 1970. La banda sonora refleja este último período, una era de afros y Blaxploitation, a través de canciones de Stevie Wonder, Willie Hutch y Chaka Khan, pero está salpicada de interludios que presentan un instrumento que se escuchó por primera vez en la época de las plantaciones: el clarinete contrabajo.

El instrumento lo toca James Carter, un músico de Detroit de 54 años que ha sido una figura importante del jazz desde principios de los años 90. "Me encantó el sonido de 'tierra fangosa' que tiene", dice. “Todo ese aire que fluía a través de él te hacía sentir como si fueras el señor del subsuelo. El clarinete contrabajo tiene un rango muy expresivo; Me recuerda a las ranas toro en la noche, pero también es una especie de viejo sabio, es muy imponente”.

Puedes escuchar de lo que habla en su álbum de 2003, Gardenias for Lady Day, un tributo a la gran cantante Billie Holiday. En Strange Fruit, el himno contra los linchamientos de Holiday, Carter extrae del clarinete contrabajo una serie de lamentos primitivos e inquietantes que se adaptan perfectamente al tema. La bocina de graves es como una oscuridad envolvente.

Producir sonidos tan evocadores requiere una cantidad no pequeña de trabajo, como pueden atestiguar Carter y otros músicos que tocan instrumentos raros. Para aquellos que tocan el tipo de instrumentos que rara vez se ven en orquestas y bandas de jazz, existen obstáculos prácticos que superar, como perfeccionar la postura y la técnica para negociar con éxito la forma, el tamaño y la estructura de estos inventos poco comunes. Sin mencionar el costo y la complejidad del servicio y mantenimiento de dichos dispositivos. Es fascinante escuchar lo que artistas de diferentes géneros tienen que decir sobre las ventajas y desventajas de interpretar algo que sus pares no hacen.

Utilizado por primera vez en orquestas clásicas y bandas militares del siglo XIX, el clarinete contrabajo es uno de los miembros más oscuros de la familia de los instrumentos de viento. Durante mucho tiempo ha atraído a los músicos de jazz que desean crear un amplio espectro tonal en su trabajo. Una de las principales fuentes de inspiración de Carter, Anthony Braxton, un innovador compositor e improvisador nacido en Chicago, elevó el perfil del instrumento cuando lo utilizó en prestigiosos festivales internacionales en Montreux y Berlín a mediados de los años 70.

“Estaba muy adelantado a su tiempo”, dice Carter, cuyo arsenal de instrumentos de lengüeta también incluye saxofones en fa mezzo, soprano, tenor y barítono. “Cuando toca un C bajo, te lleva a otra dimensión. Quería experimentar lo mismo cuando lo jugué yo mismo”.

Con su estructura ancha y erguida, como un clip gigante, el clarinete contrabajo requiere que sus intérpretes tengan fuerza física además de técnica. "Puede resultar engorroso, dependiendo de cómo lo coloques contra tu cuerpo", dice Carter. “Tienes que hacer que tus pulmones trabajen un poco más, pero eso también es lo bonito. Sientes todo lo que pones en ello”.

Por mucho que Carter, que ha trabajado con estrellas de jazz y rock como Herbie Hancock y Ginger Baker, elogie las maravillas del clarinete contrabajo, también desea reconocer el papel que los fabricantes especializados en instrumentos de viento como Benedikt Eppelsheim han desempeñado en su evolución. El renombrado fabricante de instrumentos alemán, que murió a principios de este año, lo equipó con teclas de trino (pequeñas palancas que facilitan el temblor y el gorjeo de las notas) y octavas adicionales que “permiten que el instrumento cante más”.

Esa cuestión de diseño y modificación recorre toda la historia de los instrumentos, tanto raros como familiares. Sin embargo, lo más interesante son aquellos dispositivos hechos a medida que nunca se produjeron en masa. Tal es el caso de una bestia singular de registro bajo interpretada por Paul Rogers que abarca épocas, géneros y culturas. Un híbrido de la viola da gamba del período barroco, el contrabajo y el sitar indio, este instrumento sin nombre tiene siete cuerdas en lugar de cuatro, así como 14 "cuerdas simpáticas": cuerdas que no tocan metidas debajo de las cuerdas que tocan para producir una mayor resonancia. .

"Es una extraña combinación de muchas cosas", dice Rogers. “Le dije a un luthier francés, Antoine Leducq, lo que quería y tardó aproximadamente un año y medio en hacerlo. La forma del instrumento es como la de una pequeña canoa. Es como una cosa medieval, de verdad. Pero escucho todo tipo de música – clásica medieval, asiática y africana – y con este instrumento realmente puedo encontrar algunos de esos sonidos”.

Radicado en Francia desde hace más de cuatro décadas, Rogers, de 67 años y nacido en Chester, es una figura reconocida de la escena vanguardista británica y europea, conocida por sus interpretaciones inventivas y de alto octanaje, en las que explora texturas novedosas en bajo no amplificado. "Tengo muchos más armónicos que en un bajo estándar", dice. “Cuando conseguí el instrumento, volví a ser como un adolescente con mi primer bajo. Es difícil tocar debido a las cuerdas adicionales, pero puedo tocar notas altas con una fuerza que no tenía antes”.

Sin embargo, esa ventaja no está exenta de problemas. El mantenimiento es un desafío. “Tuve que contratar a otro hombre para que le hiciera un puente enorme porque el otro era de tamaño normal y se doblaba bajo la tensión de siete cuerdas”, dice Rogers. “El otro problema son las propias cuerdas. Tengo que conseguir los muy altos hechos especialmente. No puedes simplemente ir a la tienda de bajos local con esta cosa”.

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Dado su amor por la música occidental y no occidental, lo más probable es que Rogers prestara atención a las historias contadas por Yahael Camara Onono sobre el balafón. Es uno de los muchos instrumentos tradicionales de África occidental que aparecen en Balimaya Project, el conjunto que dirige y que ha conseguido una audiencia considerable en Gran Bretaña en los últimos años a través de su combinación de ritmos mandé, jazz, funk y palabra hablada. De apariencia similar a un xilófono, el balafón tiene teclas hechas de tiras de madera que resuenan a través de pequeñas calabazas (calabazas) atadas debajo. El instrumento debe manipularse con cuidado. "Hay que estar en las condiciones atmosféricas adecuadas porque es bastante frágil", dice Onono, de 31 años, percusionista e historiador de los instrumentos de África occidental. “El calor y la humedad afectan cada parte del instrumento, por lo que viajar de un continente a otro es complicado. Mantener el balafón en orden requiere verdadera atención”.

Como muchos instrumentos europeos, el balafón, que data del siglo XIV, forma parte de una familia con miembros de diferente tamaño y diseño debido a su presencia en varios países, entre ellos Burkina Faso, Mali, Guinea y Senegal, donde el londinense Onono Reivindica el patrimonio. Encontrar el modelo apropiado para la tonalidad específica de una canción es tan importante como estar atento a los cambios de temperatura, pero a la comunidad de balafones, que cuenta con virtuosos como Lassana Diabaté, no le ha faltado imaginación a la hora de adaptarse a contextos armónicos específicos.

“Hay balafones cromáticos que corresponden a las notas blancas de un piano, pero si necesitas los negros en el piano, entonces tienes que usar un segundo balafón”, dice Onono. "Por eso, muchos de los músicos innovadores de hoy en día colocan las teclas negras encima de las teclas cromáticas y luego las tocan juntas como si fuera un piano".

Balimaya Project, que acaba de lanzar su segundo álbum, When the Dust Settles, defiende con firmeza la relevancia de los instrumentos ancestrales en la era de Internet. El balafón silba, retumba y gorgotea vívidamente, mientras hay un rastro de ruido extraño que corre junto a las notas no muy diferente a la distorsión de una guitarra eléctrica.

“Lo que hace especial al balafón es su timbre único, todo el zumbido es parte de su riqueza”, dice Onono. "Y también está la complejidad rítmica".

Más importante aún, el instrumento tiene un significado musical adicional. Si el clarinete contrabajo de James Carter y la amalgama de viola da gamba y bajo de Paul Rogers son puentes entre la tradición y la modernidad, entonces el balafón es nada menos que un recipiente de identidad cultural. Junto con la kora, el xalam y el n'goni, originalmente lo interpretaban los griots o narradores reales africanos encargados de narrar la vida cotidiana. "El balafón realmente trata de personas", dice Onono. "Es un medio para que nos aferremos a nuestra historia".

When the Dust Settles de Balimaya Project ya está disponible en New Soil/Jazz Re:Freshed.